Berlin Atonal 2014

Créé en 1982, le Berlin Atonal avait été, pendant près de 10 ans, à l’avant-garde des scènes électroniques et expérimentales. Des groupes cultes comme Einstürzende Neubauten y ont foulé le sol, à l’époque où le festival était hébergé au SO36, dans le quartier de Kreuzberg. Peu de temps avant la réunification allemande, son créateur, Dimitri Hegemann, fonde avec quelques autres partenaires le club Tresor, suite à la fermeture de l’Ufo (haut lieu de la scène house puis techno qu’ils avaient érigé). Le festival entre alors en hiatus. Il ne sera ressuscité que 23 ans plus tard, l'année dernière donc, et délocalisé au sein de l’immense usine désaffectée Kraftwerk, à la bordure de Mitte, où se situe aujourd’hui également le Tresor.

Pour sa seconde édition depuis sa réouverture, le festival berlinois vise une nouvelle fois très haut. Créations et lives audiovisuels exclusifs, premières mondiales, showcases sur l’installation sonore 4DSound et exhumation du projet Cabaret Voltaire, un rapide coup d’œil à la programmation de ces cinq jours force l’admiration. L’Atonal c’est aussi un bon nombre d’installations et de créations audio-visuelles dans les recoins de l'usine, un écran-monolithe démesuré qui trône à l’étage où se déroulent les concerts, des food-trucks différents chaque jour, des aftershows jusqu’au lever du jour, un budget Carlsberg et Lübzer Pils au moins équivalent à celui du pass, soit tout ce qu’il faut pour y élire une seconde maison - certains accrochant même leur hamac entre deux piliers de béton.

- mercredi 20 -

En guise de mise en bouche à chaque journée (entendez par là à 18h), quelques artistes (Thomas Vaquié, Murcof, Biosphere et Senking) ont été conviés à composer sur le nouveau système-son 4DSound. Bien plus qu’une simple installation sonore, ce qui est proposé par ce projet est révolutionnaire. Le son est émis via 16 cylindres de plus de 4m de haut, occupant un périmètre où peuvent circuler une centaine de personnes. Chacun de ces réceptacles métalliques émet sur 3 niveaux indépendants (à moins d’un mètre, à mi-hauteur et au-dessus), où l’on contrôle en temps réel la distance, l’élévation, l’angle et la diffusion du son. Notre perception des compositions évolue donc dès que l’on commence à se déplacer dans ce cube sonore, où le degré de spatialisation transcende - euphémisme - le ressenti habituel.

Thomas Vaquié, artiste sonore du label AntiVJ, inaugure la série de showcases sur 4DSound. Il nous propose une pièce assez courte d'une quinzaine de minutes, jouée en boucle. L’expérience sensorielle est absolument bluffante. L’auditeur se déplace au cœur même d’un orchestre où l’on croirait pouvoir palper chaque instrument. Des objets sonores fusent au-dessus de nos têtes, comme matérialisés. Des déflagrations ont lieu quelque part, nous transportant au milieu d’un conflit qui a la troublante faculté de nous émerveiller. Même si l'on sent l’influence du label islandais Bedroom Community (Valgeir Sigurðsson en tête), cela reste très efficace. On regrette cependant le côté un peu « démo » de la pièce, trop courte, qui nous laisse légèrement sur notre faim.

Une courte pause et on enchaîne sur le premier concert, où Ensemble Modern revisite deux classiques de Steve Reich : Drumming pt. 1, suivi de Music for 18 Musicians. Si je suis resté assez insensible à la première, la seconde n’a toujours pas perdu de sa superbe. Accompagné de 4 membres de Synergy Vocals, l’orchestre nous délivre une performance de près d’1h15 euphorisante. Les voix, saccadées, sublimes, ainsi que leur jeu avec les instruments à vent apportent leur lot de passages magiques.

S’en suit Imaginary Softwoods, projet de John Elliott. Le co-fondateur (avec Peter Rehberg) du label Spectrum Spools - sous-label des Editions Mego, géré par Rehberg - et membre du trio Emeralds nous livre un set en deux temps. Une longue plage ambient / drone particulièrement plate, que tente de relever une seconde partie, à grands coups de synthés early electro.

Monoton lui succède pour nous présenter en concert A/V son projet-album Monotonprodukt 07, sorti en 1982 en tirage très limité et récemment repressé. Apparemment encensé comme l’un des albums les plus influents en musique électronique, son live était froid et industriel, assez austère et ne m’a personnellement pas inspiré.

- jeudi 21 -

Pour la seconde journée, Murcof ouvre les festivités avec un showcase sur 4DSound. Fernando Corona était déjà présent l'année dernière pour une collaboration A/V avec Simon Geilfus d’AntiVJ, qui avait appuyé son live d'un mapping 3D époustouflant. C'est donc avec impatience que l'on attendait son travail sur 4DSound, impatience apparemment partagée par beaucoup de personnes puisque les showcases de chaque journée sont complets, ont été doublés pour Murcof et Biosphere, et donnent surtout l’impression d’être au pied des Galeries Lafayette pour l’ouverture des soldes. En quelques secondes, les murs de béton disparurent, et firent place au vide interstellaire - le bruit en plus. L’espace délimité par les cylindres fut transformé en épicentre, l’auditeur piégé au cœur du séisme d'un combat interplanétaire. Chaque court silence nous donnait à peine le temps d’appréhender avec angoisse les prochaines salves. C’est encore une fois très impressionnant, même si les nouvelles compositions paraissent un peu brouillonnes par rapport à ses précédents travaux. Certains passages présentent un peu trop d’idées et de sonorités à la seconde, pour une démonstration (par moments) ostentatoire.

DSCRD (prononcez « Discordance ») entame ensuite les hostilités dans l’immense salle principale, pour un live A/V magistral. Le quintet parisien nous assène un tempo lent, lourd, chargé en métal, et semé de détonations qui semblent vouloir faire du hachis avec nos tympans et aux shrapnels incisifs. Le beat est corrosif et décape nos chairs. Une mort rapide ne serait que trop généreuse. Le choix des vidéos est brillant : caméras de surveillance, insidieuses, qui auscultent notre société de leur œil indifférent. Embouteillages, supermarchés, coins de rue, chaque angle oppresse, sentiment qui culmine lors d'une vue en plongée sur un berceau et son nouveau-né, vue dont la persistance procure angoisse et malaise.

Le live suivant de Dalhous, duo de Alex Ander et Marc Dall qui fait ses armes chez Blackest Ever Black, aura du mal à tenir la comparaison. Différents morceaux s’enchaînent, parfois non mixés, alliant textures glissantes, drones (qui ne sont pas sans rappeler certains travaux de Tim Hecker) et techno. Même si l’ambiance est tout autre, l’ensemble paraît moins inspiré, malgré certains passages intéressants, et souffre de visuels moins adaptés.

Quelques minutes plus tard et le set de Miles Whittaker (moitié de Demdike Stare) nous propulse dans une dub techno à la basse puissante. Quelques touches froides s'immiscent, l’hypnose commence alors et ne se fera pas en douceur. L'usine est alors plongée dans un maelström, les sonorités, rêches, nous assaillent et donnent l’impression d'être piégés dans la turbine d'un avion. La violence de son set progresse, plus frontale, plus vicieuse, jusqu’à nous frapper de décharges de proches-ultrasons affolantes. Après un court repos, son live reprend de la vigueur et sera une épreuve d'endurance. Sa rythmique lente, striée de cassures froides où le ciel semble se fendre, clora un set aussi génial qu'éprouvant.

À peine le temps de se faire greffer de nouvelles oreilles que le duo belge Sendai (Yves De Mey + Peter van Hoesen) nous percute d’une techno-rouleau compresseur. On subit alors, soufflés, la puissance des uppercuts que l'on reçoit, finement millimétrés. Textures abrasives, beat ciselé, massif, la cathédrale de béton qui nous abrite est alors le lieu d'une démonstration de force jouissive.

Après ces deux sets taillés pour les clubs, The End of All Existence baisse le rythme et éteint toute lumière. Ce projet du berlinois Milton Bradley, que l’on a pu entendre sur son propre label ou chez Prologue sous son vrai nom, relève de l'expérience cinématographique. Des images N&B de centrales nucléaires en ruines, de Berlin défigurée par les bombardements, d'autres villes ravagées et de décombres défilent en travelling et illustrent à merveille l'ambiance désenchantée et de désolation de sa musique. Quelques phrases appuient la noirceur de ses compositions dark ambient / downtempo, comme si elles étaient gravées sur le cercueil de béton qui nous emprisonne : on the day the light went out / the sun disappears, all stars collapse and daylight fades / only darkness remains / we have gone too far / end of history. Le tempo s'accélère progressivement, plus techno, plus radical. On pourrait seulement noter que son travail serait bien dépourvu sans ses superbes supports visuels, ces panoramas post-apocalyptiques qui prennent beaucoup de place et élèvent son live hautement immersif. the end of all existence.

- vendredi 22 -

3ème jour, 3ème performance sur 4DSound, cette fois-ci du géant de l'ambient Biosphere (Geir Jenssen). En quelques secondes, le norvégien nous transporte dans une forêt illuminée de drones solaires, et qui prend vie avec les insectes, oiseaux et sonorités boisées résonnant autour de nous. Le niveau de détail des field recordings est hallucinant : le ruissellement de l'eau, le bruissement des branches, la chaleur de l'orage, tout prête à entrer en harmonie avec la nature. On perd alors la notion du temps, on oublie la chape de béton qui nous entoure, on erre entre les personnes de l’audience comme s’ils étaient les arbres d’une forêt, qui devient le lieu d'une excursion méditative – sans tomber dans une illumination panthéiste. Biosphere signe sur 4DSound une des plus belles expériences de cette édition 2014.

Débute ensuite TV Victor, le projet solo de Udo Heitfeld. L'allemand, proche de Dimitri Hegemann, formait avec lui et deux autres membres le quatuor No Zen Orchestra, auteur à la fin des années 80 de quelques albums sur le label Interfisch (label géré par Hegemann et qui avait ouvert le fameux Ufo à cette même période). Et c’est sur le label Tresor, sous-label d’Interfisch, qu’il publie depuis une vingtaine d’années ses travaux via TV Victor. Sur fond de vidéos N&B de mégalopoles en 4k, traversées par des lignes abstraites, il nous immerge dans des boucles downtempo qui flirtent avec le trip-hop. On aurait aimé qu’il prenne un peu plus de risques, tant l’ensemble peine à évoluer. Et ce ne sera que dans la seconde partie de son set, plus expérimentale, que ses boucles arriveront à nous happer.

Vient alors Dasha Rush, productrice et DJ d’origine russe, qui nous propose un nouveau projet Antarctic Tact, spécialement conçu pour l’Atonal. Après une courte introduction sur des images de conflits dans le monde, elle nous invite à un voyage abstrait où la Terre ne serait pas souillée par l'homme : en antarctique. Soit. Appuyé par les visuels de Stanislav Glazov, son live nous précipite dans la beauté glaciale de l’Antarctique, dont elle esquisse une topographie. En alternant des plages constellées de glitchs, rythmées par une ambient / techno hautement immersive, ou envahies de drones gelés, nos sens s’engourdissent petit à petit, alors que l’on explore (à l’écran) grottes, reliefs et cieux irisés d’aurores boréales. C’est très maîtrisé et cela parvient surtout à faire oublier le discours introductif un peu naïf. La cadence des bruits blancs et du beat augmente tandis que l’on est pris sous une tempête, jusqu’à ce que des blocs de glace se détachent dans un fracas assourdissant et nous scotchent d’infra-basses. strangely beautiful, a place unoccupied by us / thank you for not staying forever. Antarctica.

On reste en terre froide avec Abdulla Rashim, boss du label Northern Electronic (sur lequel était notamment sorti le fameux Misantropen de Varg). Le jeune suédois nous noie dans une hypnose particulièrement opaque, peuplée de notes polaires et de textures étranges qui viennent progressivement s’ajouter à la masse sombre de son travail. Les spirales s’intensifient, patiemment, jusqu’à ce que l’on distingue les premiers rythmes sourds, annonciateurs d’une lente techno qui restera toujours en arrière-plan de ces sonorités hivernales (bien plus que dans Unanimity) et qui feront entrer la grande bâtisse en résonance.

L’hypnose sera prolongée avec l’arrivée de Donato Dozzy (moitié du fantastique duo italien Voices From The Lake, déjà présent lors de l’Atonal 2013, qu’il forme avec Neel - Giuseppe Tillieci) et Nuel (Manuel Fogliata) pour une première représentation de leurs Aquaplano Sessions. Sessions qu’ils ont entamées à la fin des années 2000 et qui se sont vues rééditées chez Spectrum Spools (précédemment cité) au début de cette année (les aficionados de Voices From The Lake peuvent d’ailleurs se ruer dessus). Cet autre duo nous entraîne, lui aussi, dans une ambient / dub techno qui ne nous lâchera pas une seule seconde au cours de leur périple. Alternant plusieurs phases ascensionnelles et descendantes, ils côtoient le sublime lorsque l’intensité et le volume sonore grimpent et livrent un live exceptionnel.

Le suivant aura une autre approche pour nous captiver : sa violence. Avec Headless Horseman, on a l'impression d'être sur un ring de boxe à vouloir rester debout le plus de temps possible. Le duel est éprouvant, perdu d'avance, face à ce chevalier de l'apocalypse. À sa techno déjà charpentée, il ajoute des nappes de bruit blanc en bon sadique, nous emprisonne dans des rouages qui prennent plaisir à nous déchiqueter ou déverse des décharges noise pour agrémenter notre supplice/délice. Chaque round augmente le degré de puissance des uppercuts. C'est radical et - forcément - éprouvant. L'audience est en transe, les trompettes du jugement dernier (!!) annoncent alors les quelques minutes restantes. Un sifflet viendra hurler la fin du match : vaincu par KO.

- samedi 23 -

Senking (Jens Massel) ouvre la journée du samedi pour la dernière représentation sur 4DSound, avec une nouvelle composition adaptée au système. Son sound design prend toute son ampleur sur l’installation, submergée sous les déflagrations glitchées et une techno ciselée, pour un set très propre qui ravira les habitués de la clique raster-noton.

Neel (Giuseppe Tillieci de Voices From The Lake) débute ensuite la série de concerts avec un live monochromatique, radicalement différent de ses travaux au sein de VFTL, et qui se rapprocherait plus des travaux de Thomas Köner. Sous une atmosphère crépusculaire, froide, résonnent des drones sourds et des sonorités rocailleuses et cristallines, que l'on devine issues de la grotte qui se dessine à l'écran. Une grotte tachée de crépitements, et dont semble irradier un drone dont on percevrait tous les dégradés de noir. Des visuels rougeâtres arrivent, évoquent la surface de Mars, alors que l'immersion se poursuit vers des profondeurs inexplorées, au cours de ce set particulièrement réussi.

On aurait aimé en dire autant du candidat suivant, Max Loderbauer, qui enchaîne de courts morceaux où il expérimente au synthé, mais sa performance relève plus de l’onanisme et on peine à y trouver un intérêt quelconque.

Un court entracte sur fond de Rites de Paul Jebanasam (que l'on entendra très fréquemment au cours du séjour) nous fait saliver avant la performance de James Ginzburg (moitié d’Emptyset, qui a sévi chez Subtext, justement) pour son nouveau projet Bleed Turquoise. Accompagné de Yair Elazar Glotman à la basse et de Marcel Weber pour la partie vidéo, Ginzburg nous entraîne sur un terrain où on ne l'attendait pas, beaucoup plus coloré. Des salves de drones lumineux emplissent rapidement l’espace, soutenus par la basse ronde. Les visuels rouge sanguinolent laissent imaginer une personne en train de se vider de son sang, déversant inéluctablement son fluide avec extase. Sa voix vient se poser sur la rythmique langoureuse / and i'll take all violence from you / et accentue l’ivresse de ce set moite, assez court mais jubilatoire.

L’excitation est à son comble alors que l’étage est inondé par une audience venue assister à la première représentation de Cabaret Voltaire en près de 20 ans. Richard H Kirk continue seul le projet, débuté en 1973 avec Stephen Mallinder et Chris Watson, et est ce soir assisté d’une impressionnante armada de machines pour un live « zero-nostalgia ». Indus, drum & bass, techno, noise, ... Cabaret Voltaire explose les frontières et mêle ces étiquettes dont il n’a que faire avec une aisance insolente. À l’écran, divisé en trois, des collages de vidéos se déversent sur nos rétines. Infos télévisées, films, clips, guerres, discours politiques, émeutes, qu'elles viennent de Chine, d’Afrique, des États-Unis, du Moyen-Orient ou de tout autre recoin du globe, elles sont disséquées, triées, bouclées et forment un assemblage aussi protéiforme que ses compositions. La rythmique s’emballe progressivement, le volume sonore culmine, et des salves de bruit blanc viennent cueillir un public subjugué par cette performance tellurique.

FIS, projet de Oliver Peryman, aura la tâche ingrate de clôturer la soirée après Cabaret Voltaire. Le néo-zélandais va nous insuffler une dose d’infra-basse suffisante pour désintégrer ce qu’il restait de nos tympans. Un peu comme si Eric Holm avait placé son micro en plein cœur de l’Etna, FIS nous noie dans un magma downtempo et assourdissant, dans lesquels émergent field recordings et mugissements presque animaux. Kraftwerk devient l’épicentre d’une démonstration aussi efficace que physique.

- dimanche 24 -

Pour la cinquième et dernière journée, le collectif Contort géré par Samuel & Hayley Kerridge a été chargé de la programmation. Luke Younger attaque dès 18h avec son projet Helm. L’anglais est un habitué du label berlinois PAN, sur lequel étaient sortis l’excellent Impossible Symmetry et - plus récemment - les plus courts et tout aussi pertinents Silencer et The Hollow Organ, dont on retrouve des éléments dans son live. Tel un maître des clés, il ouvre des portes vers des mondes intrigants. Une première, derrière laquelle des plaques tectoniques semblent se préparer à s'affronter, aiguisant leurs armes. Les sonorités métalliques gagnent progressivement du terrain, avant que des objets massifs ne fassent résonner des notes de cuivre dans une ambiance rituelle. Des percussions viennent appuyer la transe, les sons s’affolent, vrillent, s’intensifient et semblent vouloir perforer la paroi qui les maintient dans cette autre dimension pour envahir la nôtre. La boîte de Pandore s’ouvre alors et des aigus stridents se déversent et inondent l'usine. La première porte se referme, on entre aussitôt au travers d’une seconde qui plonge l’étage dans une tout autre ambiance, encore plus mystérieuse, et que l'on accepte naturellement. Le hall fait office de caveau, balayé par un léger vent de désolation et alerté par de faibles détonations au lointain. Une troisième et dernière porte nous ramène au sein de ces sonorités tectoniques, qui s’avèreront impossibles à stopper. Helm nous offre un live énigmatique et fascinant.

Quelques minutes plus tard, SØS Gunver Ryberg reprend le flambeau pour nous infliger une correction impressionnante. Survolant une rythmique massive, des rafales de détonations transpercent et clouent l'audience sur place en l’espace de quelques instants. C’est extrêmement violent pour le créneau qu’elle occupe (19-20h), mais c’est extrêmement délectable. Le compteur BPM - entendez par là balles par minutes - s’affole, tandis qu’elle prend visiblement plaisir à nous perforer, lors d’une apologie de la violence. Quelques (courtes) plages ambient / drone nous laisseront un peu de répit entre ses multiples assauts. La machine de destruction est relancée, cette fois-ci avec une artillerie différente : plus massive, plus contondante. La danoise ne fait pas toujours dans la dentelle, mais nous en met littéralement plein les tympans. Et lorsque le BPM ralentit légèrement pour un uppercut techno final, elle jubile, le public avec elle.

Prend ensuite place In Aeternam Vale, projet mené par le français Laurent Prot et entamé dans les années 80 en compagnie de Pascal Aubert et Chrystelle Marin. Très actifs à cette période, leurs cassettes inspirent encore aujourd’hui bon nombre de pontes de la scène techno / indus (notamment les artistes gravitant autour du label et duo Sandwell District). Son set, très riche, propulsera Kraftwerk quelques dizaines d’années en arrière, tout en restant insolemment avant-gardiste. Sur fond de techno souterraine, insidieuse, marbrée de décharges froides, ou naviguant en pleine cold wave ou dans un flux électrique modulé pour alimenter l’ivresse, le set du lyonnais se révèlera passionnant.

On continue en terre avant-gardiste, cette fois-ci avec le trio Ike Yard, lui aussi exhumé des années 80. Fondé en 1979 par Kenneth Compton, Michael Diekmann, Stuart Argabright et Fred Szymanski (qui sera resté en retrait lorsque le groupe se sera reformé en 2007, 24 ans après leur séparation), ils avaient partagé la scène avec des références comme Michael Gira, New Order ou même Suicide. Les trois musiciens démarrent ce soir sous un volume sonore écrasant, des drones colossaux, une techno mutante, hybride, et dont il ne resterait que le cœur noir ébène. Pour mieux asseoir la puissance de leur performance, de superbes visuels les surplombent : un immense damier noir que strient de fines lignes, qui prennent progressivement de plus en plus de place, pour laisser passer quelques couleurs, quelques images d'une caméra ne différenciant plus haut et bas, aussi désorientée que nous. En maître - Yoda - de cérémonie, Argabright se place régulièrement à la batterie, à la basse avec Compton ou à la voix, ses imprécations graves et entêtantes évoquant autant le timbre de Ian Curtis que certains effets de Joy Division. On nage en pleines expérimentations darkwave, jusqu’au virage bruitiste final, où l’on est terrassé par un tourbillon féroce. Ike Yard nous livre une performance grandiose et parmi les plus impressionnantes du festival.

La descente dans des abîmes de noirceur est prolongée avec l’arrivée UF, fraîche collaboration entre Samuel Kerridge et le mystérieux duo OAKE (dont un seul membre sera là ce soir). Connaissant le pedigree et la violence des productions de ces deux entités, on se demandait à quelle sauce on allait être piétinés - et nous étions assez alarmistes, à juste titre. À coups d’électrochocs, les deux esthètes nous plaquent au sol de leurs armes indus / noise. Une techno lente et radicale maintient nos corps transis à terre. L'air s'embrase pour ne laisser que les cendres et vestiges d'une ville depuis longtemps désertée par tout espoir, et que seules ces déflagrations illuminent. La performance - monstre - atteint son climax final et cataclysmique, lorsque bruits blancs et vociférations de OAKE rasent toute trace de notre passage sur Terre.

Cette dernière journée sera décidément une des plus palpitantes, puisque Tim Hecker leur succède. L’attente est à son comble, la cathédrale de béton est alors envahie de toute part par les pèlerins venus assister à sa messe. Le volume sonore est augmenté d’un cran (était-ce possible ?) et les infra-basses atteignent leur paroxysme quand ses vagues de drones déferlent sur le public. Des drones titanesques, dont émergent des aspérités d'harmonies, des reflets éblouissants et des sillons de couleurs. Une masse en mutation perpétuelle, chaque étape de son évolution laissant apparaître dans une synergie désarmante de nouvelles teintes irisées et de nouveaux timbres de bruit. Alors que l'on reconnaît des passages de ses anciennes compositions, l'orgue se matérialise sous l'immense édifice de béton, baigné dans le divin. Les couches de textures se superposent, comme autant de décharges supplémentaires sur nos synapses. On distingue les éclairs de bruits et le piano qui peuplaient Virgins, les fidèles se recueillent, debouts et tête baissée, ou assis pour attendre l’Assomption. Son concert tient de l’expérience métaphysique.

Rassasiés, comblés, on ne restera que peu de temps pour le live drum & bass de Source Direct (Jim Baker), préférant conserver quelques forces pour la suite de la nuit - cette journée du dimanche ayant été particulièrement forte, en décibels comme en sensations.

Difficile de tarir d’éloges et de superlatifs lorsque l’on passe en revue les nombreuses performances que l’on a vues se succéder au long de ces cinq jours. La programmation s’annonçait immanquable et le lieu, l’ambiance conviviale et chaleureuse qui règnent à Kraftwerk ont indéniablement contribué à rendre l’événement inoubliable, lequel s’avère être aujourd'hui un des festivals les plus pertinents et avant-gardistes en matière de musiques électroniques et expérimentales. L’été 2015 sera également berlinois, les syndromes de manque - envers l’Atonal et la ville - ayant tendance à poindre trop rapidement.

Photos by ©Camille Blake (nouvel onglet).